LA SILLA TURCA; novetats!

Bona tarda estimats!

Avui, primer de maig, dia internacional dels treballadors, em deixo caure novament pel blog, desprès d’unes setmanes de silenci.

Aquesta absència ha estat causada per la meva participació en diversos projectes paral·lels, propis i aliens, que ja des de principis de març m’han anat tenint força ocupat.

Així que avui no us parlaré de música, no en concret; no parlaré de cap estil, ni artista, o compositora o res del que habitualment estigueu acostumats a llegir, sinó que us vull fer cinc cèntims d’aquests projectes en els que he treballat i alguns en els que encara hi treballaré durant una temporada.

Aquelles persones que em coneixen més a fons, sabeu també de les meves altres facetes, fora de les estrictament musicals, i que també em mouen i m’inspiren, com la fotografia o les lletres, versades o en prosa, tant se val.

I com ja sabeu, també m’agrada ser col·laborador habitual en projectes d’altres artistes, i no solament com a compositor, ja que de vegades també em deixo entabanar per fer d’actor, purament com aficionat…

El cas és que uns dels darrers grans projectes en els que he tingut l’honor de participar, ha estat l’Espectacle musical per l’Alzheimer, una peça musical i dramàtica escrita pel meu estimat David Piulé, que es va estrenar el passat 19 de març a La Sala de Sant Antoni de Vilamajor. Un viatge musical i emotiu, que vol posar de manifest la lluita de les persones que pateixen aquesta malaltia. En aquesta ocasió, vaig acompanyar amb la guitarra, la veu de la magnífica Irina Bellavista, interpretant la música que en David ha compost per l’obra. Un espectacle que us recomano aneu a veure quan tingueu ocasió, i en el que estem treballant per a donar visibilitat, i portar-lo a molts altres escenaris.

Tanmateix, durant aquest mes d’abril, m’he tancat a l’estudi del meu estimat Pep Lladó, per gravar els temes que han de completar el meu nou àlbum. Com molts ja sabreu, el passat 27 d’octubre vaig presentar quatre cançons, recollides en el meu primer EP «Ciències Exactes», que podeu escoltar a Spotify, Youtube, i altres plataformes com Amazon music, Weezer o El ventilador, i que vaig publicar amb la discogràfica Sota la palmera www.sotalapalmera.com

En aquesta ocasió, he gravat cinc noves cançons, que amb les quatre que ja vaig presentar, han de conformar el meu àlbum debut en solitari

Aquí us copio l’enllaç de la cançó que encapçala l’EP, per si us ve de gust escoltar-la, i investigar també els altres temes…

D’altra banda, i en un altre ordre de coses, estic treballant en un projecte multi disciplinar que em té molt il·lusionat, i del que no us puc donar moltes pistes, però sobre el que ja us avanço que hi haurà una mica de tot del que m’agrada fer. Espero poder-vos anunciar ben aviat alguna data.

Així que com ja veieu, vaig navegant en diversos mars, omplint l’ànima i el cor amb allò que més m’agrada, i compartint estones i somnis amb amigues i amics artistes, mirant de fer d’aquest món, un lloc, si més no, més bonic i amable.

Visca l’ART!

BOSSA NOVA; la samba transformada.

De tots és sabut que la bossa nova és un estil musical originari del Brasil. El que potser pocs sabreu és que és un «invent» nascut a mitjans dels anys cinquanta del segle XX, i que n’Antônio Carlos Jobim sigui probablement el seu «pare».

Però seria injust deixar-ho aquí, ja que Jobim, va trobar en la figura de Vinícius de Moraes, un aliat immillorable.

Vinícius, poeta i diplomàtic del govern brasiler, va escriure molts dels temes que Jobim tocava a la guitarra. Ells dos van ser els que van gravar el que avui es considera com el primer LP de bossa, on trobarem a la veu l’Elizeth Cardoso interpretant «Chega de Saudade», la cançó de bossa per excel·lència.

En Vinícius, fou també un gran aficionat al teatre, i va demanar a Jobim la composició d’unes peces musicals per a una obra dramàtica titulada «Orfeu da Coincençao», escrita el 1956.

Aquesta obra fou més tard portada al cinema pel Marcel Camus, sota el títol d'»Orfeu negre», i en la seva banda sonora, trobarem els temes «A felicidade» o «Manhâ de carnaval», convertits avui en dia en peces indispensables dels estàndards de jazz i la bossa nova.

Aquest duet durant molts anys va nodrir l’escena musical, si parlem d’aquest estil. Malgrat tot, la bossa nova fou un estil relativament efímer, ja que a mitjans dels anys seixanta, va caure en declivi i la fal·lera de la bossa es va anar difuminant en favor de la recuperació de les arrels, tornant a la samba com a base musical, recuperant així la màxima identitat de la música brasilera, i de pas renegant de la influència del jazz.

Però, com i per què neix la bossa nova?

Doncs principalment neix en contraposició a la mateixa samba, encara que s’hi nodreix força d’aquest estil, però fou sobretot com a contrapunt sociocultural, amb la intenció de renovar la música brasilera.

Però anem a pams, i contextualitzem una mica el marc: som l’any 1958, Brasil ha guanyat la copa del món de futbol, amb un jove Pelé, de tan sols disset anys, i el país viu una època daurada gràcies a la industrialització i la urbanització amb Joscelino Kubitschek al cap de la presidència del país.

Són uns anys en els quals es va gestar la construcció de Brasília, la que havia de ser la nova capital del Brasil. També es va crear una gran xarxa viària per unir els diversos estats, una mesura que es va adoptar per poblar i comunicar les províncies interiors, amb les grans ciutats costaneres, més habitades i concorregudes gràcies al turisme.

Com a menció especial, val a dir que Joscelino fou el primer diputat gitano al Brasil, i també l’únic president d’aquesta ètnia a tot el món. Se li atribueix una de les etapes més transparents quant a legalitat del govern i pau política, almenys durant el seu mandat, però aquest és un tema que aviat es truncaria, quan el 1964, Goulart va ser derrocat en un cop d’estat militar finançat pels Estats Units, mentre es trobava de viatge oficial visitant la República Popular de la Xina.

Però tornem als anys daurats de finals dels cinquanta, on ja comença a escoltar-se allò de bossa nova.

Com us deia, la música brasilera estava començant a donar un tomb cap a l’intel·lectualisme, de la mà de molts artistes i escriptors, alguns força vinculats a la classe mitjana i alta, sobretot la que era resident a Rio de Janeiro, on trobarem molts dels intel·lectuals, poetes, músics i bohemis de l’època. Aquests es reuneix en festes privades, a l’estil americà, en els barris benestants d’Ipanema o Copacabana. La marcada influència musical del jazz sobrevola les ments d’alguns músics, que fugint del xivarri i aglomeració, de l’extremada instrumentació de la samba, van creant un estil particular, allunyat d’aquesta música festiva, i amb tan poc glamur.

Mentre que la samba, d’origen afrobrasiler, era la música del poble, de la gent obrera, la música que acompanyava totes les festes, i era interpretada normalment per un tipus de músic sense estudis o mancat de formació musical, la bossa vol expressar tot el contrari.

La bossa nova satisfà els gustos de la burgesia i les classes més acomodades, amb el seu caire més intimista, minimalista en la massa instrumental, ja que és comú trobar només guitarra i veu, o piano i veu (influència directa del jazz), exhibint també unes lletres molt poètiques i elaborades. Tanmateix, presenta una tipologia d’acords més complexa, utilitzant dissonàncies, tensions i modulacions a l’hora de jugar amb el desenvolupament melòdic, també gràcies a la notable influència que el jazz, sobretot aquell originari de la costa oest americana, de caràcter més tranquil que el que es practicava a la zona de Nova York.

Aquesta manca d’instrumentació, difereix de la necessitat que la samba presenta a l’hora d’omplir rítmicament l’espai, amb la seva gran varietat de colors, ritmes subjacents, i tipus de sons, sovint fruit de diferents instruments de percussió.

De fet, en la bossa nova, crec que trobarem una de les paradoxes més increïbles de la música, ja que al Brasil, com hem dit abans, a partir de la segona meitat de la dècada dels anys seixanta, davalla com a gènere de primer ordre, en favor de músiques d’arrel.

Òbviament, la bossa no desapareix, però altres influències musicals es van fent forat fins a deixar el gènere com un nínxol elitista i particular per a certs compositors i intèrprets, encara que la seva transmissió i impacte deixa una empremta inesborrable per tot el món, i de fet, és a partir precisament de la davallada del gènere al Brasil, que la bossa viu tota la seva esplendor fora de les fronteres carioques, esdevenint una música de culte, passant per ser un estil de músic virtuós, i convertint-se en un gènere d’estudi i de constant transformació amb el mestissatge omnipresent del jazz i altres estils llatins, que conformen una eclèctica simfonia de varietats.

Tanmateix, i de forma totalment involuntària i no buscada, la irrupció de la bossa nova en la cultura musical brasilera, va ajudar al fet que la dona pogués fer-se més visible, i ingressés sense pal·liatius en el panorama musical, de la mà per exemple de Nara Leao o Ellis Regina, mans a la guitarra i cantant en públic i per al públic.

Fet gens habitual fins llavors, ja que una cosa relativament mal vista, perquè en general tocar la guitarra, fora dels àmbits erudits, era cosa de bohemis, rodamons, i homes que anaven amb prostitutes… en fi…

Delia Derbyshire: o la raó de que avui ballis al Sónar.

El Sónar és un festival de música electrònica i experimental nascut a Barcelona el 1994, de la mà de Ricard Robles, Enric Palau i Sergi Caballero, i sense por a equivocar-me és un dels festivals més prestigiosos d’Europa, i segurament del món en l’àmbit de la música, les arts visuals i la tecnologia.

El festival neix a partir del tàndem que l’Enric i en Sergi tenien com a components del grup musical Jumo. Arran d’una entrevista que els va fer en Ricard, columnista a la revista Ajoblanco-2, van anar forjant una estreta relació, amb la música com a eix vertebrador.

D’aquí, idees, bogeries, i la necessitat postolímpica d’oferir a Barcelona un espai, una nova il·lusió, després de la crisi que el descomunal desemborsament del 92 va deixar-nos.

La resta ja la coneixeu: un festival dedicat a la música electrònica i músiques avançades que amb prou feines va aplegar 6.000 persones en la seva primera edició, i que avui en dia ens arriba com un dels esdeveniments més massius de la ciutat de Barcelona, i que atrau desenes de milers de visitants d’arreu, sota un paraigües organitzatiu exemplar, on s’acullen concerts, xerrades, exposicions, cinema, tecnologia, audiovisuals i un aparador mundial per a moltes arts experimentals i els seus artistes.

Però en l’àmbit musical, tota aquesta avantguarda, aquesta aposta cultural hipermoderna, amb la IA com a puntal de tecnologia capdavantera, no seria possible sense la figura del que per a molts, és una completa desconeguda: la Delia Derbyshire.

La Delia va néixer a Coventry l’any 1937 en l’àmbit d’una família senzilla. L’any 1940 en el marc dels bombardejos que les tropes de l’eix del mal van efectuar sobre les illes britàniques durant la Segona Guerra Mundial, episodis que van marcar profundament la infància de la Delia, la família es va mudar a Preston.

Ja des de petita es va interessar per alguns instruments musicals, com el violí o el piano. La música va estar sempre present a la seva vida. Ja en la seva etapa adolescent, va cursar la llicenciatura de matemàtiques i també la de música, obtenint-les ambdues, i concretament l’especialització en música medieval i moderna.

Sortint de la universitat, va demanar treballar en el segell discogràfic Decca Recors, on se li va negar l’accés laboral al·legant que no contractaven dones per als seus estudis.

Lluny d’ensorrar-se, aquell estiu de l’any cinquanta-nou, aconsegueix fer de professora de música i matemàtiques per al cònsol britànic a Ginebra, aconseguint després treballar per a la Unió Internacional de Telecomunicacions de l’ONU, com assistenta al departament de radio conferències, una experiència que la va marcar definitivament.

Allà va aprendre les intrigues de la comunicació radiofònica, i va descobrir algunes possibilitats que l’enregistrament sonor oferia, i a ella no li van passar desapercebudes.

La ràdio doncs va esdevenir l’altra seva passió, i fou aquest el destí que l’esperava, quan al 1960 torna a Coventry, i assoleix un lloc als estudis de la BBC de Londres com a assistent. Investiga l’orografia sonora dels discs d’acetat, convertint-se en una experta a realitzar extractes de música orquestral sobre aquest suport, sorprenent als seus caps i companys.

A la ràdio troba una llibertat d’acció que li permet experimentar amb els senyals, impulsos, l’acústica, i els efectes que ella mateixa creava, distorsionant el so o emetent polsos sonors, que enregistrava, reproduïa i barrejava utilitzant magnetòfons de rodet obert, convertint-se en una de les primeres persones en produïr música concreta o acusmàtica, com més tard se la va catalogar.

Des del 1958, la BBC organitzava uns tallers radiofònics de baix cost, per aplegar noves apostes i idees, que hauria de fer servir per nodrir les mateixes produccions de la cadena.

En aquests tallers va coincidir amb la Daphne Oram, un altre dels noms imprescindibles per entendre l’origen de la música electrònica. Aquestes pràctiques es van convertir en autèntiques proves d’assaig i error, i juntament amb la compartició d’idees amb altres ments creadores, van impulsar la visió gairebé profètica de la Delia, arribant a establir un nou llenguatge musical, component peces complexes (sempre parlant pel que significava a la seva època), evocant sensacions i sons que estimulessin la ment de l’oïdor a un nivell mai assolit fins llavors. Com a matemàtica, utilitzava fórmules i mètodes matemàtics com la successió de Fibonacci, per compondre algunes de les seves peces.

Malauradament per la Delia, i per la resta de mortals, va ser la mateixa cadena, la BBC, que va censurar sistemàticament totes les seves obres titllant-les de lascives i luxurioses, de massa avançades per la seva època, i van ser frontalment refusades i els seus drets bloquejats.

Altre cop, però, cal notar que la Delia va persistir, amb el seu tarannà perseverant i combatiu, sense deixar d’experimentar i provar, i va continuar aprenent, va continuar investigant, mirant com modificar el so, ampliar les ones, modificar les freqüències, esbudellar les gravacions que feia, fins a convertir-les en nous terrenys sonors que combinava per oferir composicions màgiques, oníriques; tota una fita per l’època, i més en un món tan masculí com era l’enginyeria sonora.

La Delia va continuar a la BBC i entre unes coses i altres, i per un cúmul de circumstàncies, va participar en la composició de la sintonia de la sèrie televisiva Doctor Who. Estem parlant de l’any 1963. I aquest, probablement, va ser el moment que va donar ja la definitiva embranzida que el seu treball com a compositora necessitava. A partir d’aquesta data es van anar succeint diversos treballs per la BBC i altres productores, que ja sí que van comptar amb les seves composicions i s’interessaven per les seves propostes.

Fins a mitjans dels anys setanta va estar al capdavant de moltes produccions i programes, fins i tot va ser la primera artista a musicar una desfilada de moda amb peces de tall electrònic.

Però aquella vida la tenia una mica avorrida. A més, amb la seva posterior unió amb en Clive Blackburn, qui l’acompanyarà fins a la fi dels seus dies, fa un gir de guió que la fan plantejar-se una vida més domèstica i tranquil·la, que l’aparten de la música i la ràdio.

Però en la dècada dels anys noranta, és llavors que animada pel fet que les noves generacions la comencen a tenir com a figura de culte, i gràcies al seu amic Peter Kember, s’anima a torna a compondre, encara que ja no publicarà res més. Durant aquests feliços anys li arriba cert reconeixement, quan artistes com Aphex Twin, enalteixen el seu rellevant paper en el gènere, admetent sentir-se influenciats per les seves passes, admirant també la seva aportació i immens treball de recerca i investigació en l’àmbit de l’enginyeria i arquitectura del so.

Això no obstant, la seva dèria per aquest estil abstracte, desdibuixat i inquietant, té uns inicis pertorbadors. Com us he dit abans, quan la Delia era molt petita va presenciar els bombardejos de l’aviació alemanya sobre la seva Coventry natal. El so de les bombes caient, les explosions, el so vibrant i monòton dels raids aeris, van crear en ella una predilecció per aquestes sonoritats tan inusuals.

El juliol del 2001, convalescent d’un càncer de mama, la Delia va traspassar víctima d’una insuficiència renal.

Al seu domicili es van trobar més de 250 cintes de rodet amb centenars de gravacions inèdites. Totes elles després van ser digitalitzades i cedides en préstec permanent a la Universitat de Manchester, encara que per motius de drets legals, fins a la data no s’ha arribat a publicar mai cap d’aquestes obres. Una total injustícia per la història de la música.

L’any 2009, la Kara Blake va estrenar el documental experimental The Delian Mode, consagrat a la figura de la Delia. Un collage de so i imatge creat en l’esperit de l’enfocament únic de Derbyshire sobre la creació i manipulació d’àudio. Aquesta pel·lícula il·lumina aquests paisatges sonors alhora que ret homenatge a una dona, l’obra de la qual, ha influït en els músics electrònics durant dècades.

Així que ja sabeu, si mai aneu al Sónar, feu una ballada en honor de la Delia, allà on sigui, segur que us somriurà!

ENYA; cattleya violacea, la flor de l’Orinoco.

La Cattleya violacea és una espècie d’orquídia originària de les selves tropicals de les conques de l’Amazònia i l’Orinoco, de fet se la coneix com la Superba de l’Orinoco.

La flor va ser «descoberta» en l’expedició que Humboldt va fer sobre el 1800 per aquestes terres. És una flor de color rosat violaci, amb una olor característica, elegant i suau, i com és tristament habitual, la flor de l’Orinoco, es troba en perill d’extinció, en el seu estat salvatge.

Sereu alguns els que inconscientment haureu anat a pensar en Orinoco Flow, un motiu vocal de la cançó del mateix títol, que navegava, mai millor dit, entre allò de «sail away, sail away, sail away…» us en recordeu?

Segurament sí… Orinoco Flow és una cançó del disc Watermark, publicat el 1988 per WEA, de la cantant i compositora irlandesa, Eithne Patricia Ní Bhraonáin, més coneguda com a Enya, una figura cabal en la música, que sobretot va florir entre finals dels anys vuitanta i tota la dècada dels noranta, amb la seva imatge fràgil i dolça, vaporosa, gairebé sortida d’un bonic compte de fades.

Bé, deixant a banda el platonisme, tornarem a Watermark, que és el segon disc de l’artista, i fou el treball que la va catapultar a la fama mundial, col·leccionant èxit rere èxit, amb cada senzill que del disc emanava, i Orinoco Flow va ser el primer d’ells, i probablement, sigui de llarg, la seva cançó més famosa.

Watermark fou una aposta personal del magnat de la Warner, Rob Dickins, qui diuen va caure enamorat de la seva música, quan va escoltar el seu primer àlbum, titulat Enya, i va atorgar-li el privilegi de la, pràcticament, total llibertat artística i creativa per publicar aquest treball, sense termini per presentar la feina, i sense interferències de cap mena des del segell discogràfic.

Malgrat la seva fama reconeguda mundialment, la cantant i compositora, ha estat objecte de moltes crítiques, menyspreus i atacs ferotges dels seus detractors, que l’han titllat de nyonya, avorrida i monòtona, l’han catalogat de cantant d’òpera frustrada, que fa una música ensopida, caient sempre en el mateix, sense ànima i fins i tot l’han titllat de falsa, aquest fet, reforçat amb la característica que l’artista no ha fet mai cap actuació en viu.

Doncs, sota el meu parer i el de milers de persones que l’han seguit durant els més de trenta-cinc anys de carrera, amb més de setanta milions de còpies distribuïdes, esdevenint l’artista irlandesa en solitari que més discs ha venut en la història del país, i en conjunt, només superada pels insuperables U2, nou àlbums d’estudi i cinc recopilatoris a l’ esquena, nominada als premis Òscar de l’Acadèmia i diversos premis Grammy, penso que Enya és una artista irrepetible, amb un talent, estil i qualitat a l’abast de molt pocs, el que em fa pensar que a tots aquests detractors, el que els hi passa és que no tenen ni idea.

Sí, Enya és una bèstia musical amb veu d’àngel. Una veu que encara és avui que busco en quin moment algú l’ha pogut criticar dient que és una cantant d’òpera frustrada, ja que penso que en cap de les seves composicions vol, ni tan sols pretén semblar, una cantant d’òpera, i encara que el seu estil beu i emana molt lirisme, arribo a pensar que tampoc no és la seva idea, sinó més aviat, que Enya ha cultivat un estil de cantar molt particular, semblant a algunes coses, però també lluny d’altres ja establertes, en definitiva, estil Enya.

És evident que es fa acompanyar d’efectes que modulen, modifiquen, acompanyen i endolceixen la seva veu, i potser aquest fet està mal vist per alguns, que esperen i busquen l’etern i enquistat purisme en tot allò que respira cert classicisme, però en absolut li treu cap mèrit segons el meu parer, ja que crec que està sobradament demostrada la seva habilitat amb el cant.

A part del seu talent cantant, Enya té una capacitat compositiva extraordinària, i ens ha demostrat que és capaç de moltes coses; des de navegar en diferents estils que beuen del classicisme i de les seves arrels folklòriques i cèltiques, a transmutar en una poderosa creadora de fons sonors instrumentals i bandes sonores. S’ha mostrat molt fidel a un estil musical, que es dibuixa bastant ampli, i ha estat prou hàbil per a oferir sempre una mica més d’allò que tan bé sap fer, i que deu ser el que tant ens agrada, no només als seus seguidors, sinó també als que no ho admeten, però la gaudeixen en la intimitat.

S’ha atrevit a cantar en gaèlic, en llatí, castellà, francès, japonès, loxian, un llenguatge inventat per la seva fidel col·laboradora Roma Ryan, i fins i tot en Qenya, la llengua fictícia dels elfs, creada pel mestre John Ronald Reulen Tolkien.

Fins i tot així, movent-se entre el risc i la reivindicació al que li agradava fer, Enya ha mantingut intacte el seu vincle amb el públic, que cançó rere cançó, ha seguit la seva obra, sense perdre pistonada ni credibilitat.

Voldria aprofitar aquest petit homenatge en forma d’humil article, per fer una menció especial al fet que Enya ha estat investida doctora honoris causa en lletres per la Ulster University i en música per la Galway University, i això estimats lectors, no crec que li atorguin a qualsevol, per molts discs que vengui, o per més famós sigui.

Musicalment, Enya és per a mi una important font d’inspiració, i m’ha anat acompanyant i emocionant al llarg dels anys. Tanmateix, la influència d’Enya s’ha fet patent en el treball d’altres artistes, i de fet, James Cameron va pretendre que Enya compongués i cantés la banda sonora de la pel·lícula Titanic, al que ella s’hi va negar.

No obstant, si fem atenció a la meravellosa proposta de James Horner, qui finalment va encarregar-se de musicar el film, trobarem una gran similitud entre l’estil i la veu de la noruega Sissel, que interpreta la cançó que se sent taral·lejar als primers compassos, fent servir la melodia principal, sobre la que es canta el «My heart will go on». Si no ho sabéssim podríem dir que la canta la mateixa Enya.

Però si hi ha hagut algun moment en la seva carrera que l’hagi consagrat, mitificat, santificat, crec que va ser quan vaig saber que anava a participar de la banda sonora de la trilogia d’El senyor dels anells, particularment amb la seva cançó «May it be».

Enya és una fervent seguidora de la mitologia de Tolkien, sobre qui ja ha fet alguna picada d’ullet, com el tema «Lothlorien» que trobareu en el seu tercer àlbum «Shepherd Moons», per cert, un treball molt i molt interessant, que si encara no hi heu entrat a escoltar-lo, us recomano fer-ho.

«May it be» és una balada cantada, part en anglès, part en Qenya, amb la que tothom donava per fet que guanyaria l’Òscar a la millor cançó, però l’Acadèmia va tenir a bé concedir tal honor a la feina de Randy Newman, amb la seva cançó «If I didn’t have you» per la pel·lícula Monsters Inc. de Pixar Films, cosa que considero una gran injustícia, gran com una casa de pagès, i si escolteu les dues i intenteu meritar-les… en fi…

Enya, referent, Enya diva, Enya cantant, Enya compositora, Enya enigmàtica, Enya eterna…

El Cant de la Sibil·la: la primera nadala?

Imagino que tothom sap el que són les nadales. Per als despistats, són cançons populars en les quals la lletra fa clares referències a l’arribada del nen Jesús, en forma de nadó ros i blanquet, o bé, cançons que fan al·lusió a l’hivern i les coses que normalment hi passen en aquesta època de l’any, i no em refereixo exactament a la compra compulsiva de regals o la cuina de menjars hipercalòrics.

Bé, podem assegurar sense por a equivocar-nos que les nadales formen part del nostre folklore, i de fet, el cançoner de Nadal és un dels repertoris més extensos de la cançó popular a Catalunya, com assegurava Joan Amades. Probablement, sorgiren de les representacions que els pastors feien a les portes de les esglésies la nit de Nadal, barrejant cançons pròpies juntament amb cançons de tradició cristiana.

A Catalunya hi ha documentades nadales ja des del segle XV, la qual cosa ens fa pensar que aquesta tradició, encara que vestida amb altres robes, ve probablement, de l’època dels visigots, que foren els que instauraren el cristianisme a la península. Però d’un mode o altre, ja hi ha referències a manifestacions similars molt més abans.

Se sap que el Papa Sixt III, al segle V, introduí a Roma el costum de celebrar a la Basílica de Sant Pere, i per la vigília de Nadal, ben entrada la nit, l’ad praesepium, una oració que es recitava davant d’un pessebre que solia situar-se darrere l’altar major.

Es té constància que la gent es reunia a peu d’església i cantava, celebrant en to festiu, el naixement de Crist. No es té tan clar quina devia ser la temàtica de les cançons, però es creu que aquesta no era estrictament religiosa, i probablement es barrejaven cançons tradicionals d’origen pagà, encara lligades als rituals associats al solstici d’hivern, amb el folklore de l’època, que incloïa cants per feinejar, i que juntament amb les recentment incorporades noves tradicions cristianes, conformaven la massa mare d’on aniran sortint les tradicions actuals.

El ritual de la missa nocturna en la vigília de Nadal, va quedar molt lligat a la simbologia del gall, ja que era habitual escoltar-lo cantar durant la litúrgia. També per la influència de la tradició romana, puix que el gall era la representació del Sol, com a inici del nou dia, i alhora amb la tradició cristiana, que mantenia que el gall fou el primer que va presenciar el naixement de Jesús.

Tan és així, que ja des de fa força segles, i fins a l’actualitat, s’anomena missa del gall, a l’ofici que s’ofereix la nit de Nadal. Una eucaristia que normalment ve precedida pel Cant de la Sibil·la.

El Cant de la Sibil·la, o Iudicii Signum com s’anomenava en llatí, i traduït com a senyal del judici, és una representació teatralitzada i cantada en llatí, a cappella, i en estil de cant gregorià, que profetitza sobre l’arribada del messies i de la fi del món.

És un poema d’origen grec, que reproduïa les profecies de la Sibil·la d’Eritrea, una sacerdotessa amb el poder de la clarividència, que es diu va predir la destrucció de Troia, i també que Homer, escriuria una epopeia plena de falsedats.

Aquest poema fou traduït al llatí per Sant Agustí, al segle V, i amb ell, viatja per la conca mediterrània fins que Quodvultdeus, bisbe de Cartago (actual Tunísia), el cita al sermó Sermo de Symbolo de Quodvultdeus. Aquest sermó serà escollit com una de les lectures de l’ofici de matines de Nadal, i quedarà fixat en la tradició cristiana, representant-se la vigília de Nadal, just abans de la missa del Gall.

Durant el Concili de Trento, els contrareformistes, com a grans detractors de les representacions i drames que no fossin estrictament religioses, van anar intercedint per prohibir-lo, cosa que aconseguiren en la major part del món cristià que l’havia adoptat. Però el pes de la tradició, l’estima, admiració i devoció cap al Cant, van mantenir-lo viu, sobretot, en la tradició dels països catalanoparlants.

Com hem dit abans, en els seus inicis es cantava en llatí, però existeixen manuscrits del segle XII i XIII on ja trobem traduccions al provençal, l’occità i el català antic. Mossèn Higini Anglès hi parla en el seu llibre La Música a Catalunya fins al segle XIII, explicant que ja en el segle X, el Cant de la Sibil·la es representava a Ripoll, i es va anar escampant arreu dels territoris catalanoparlants, probablement per la influència Occitana, encara que el mateix mossèn Anglès, sospita que podria venir-li d’origen mossàrab. De fet, hi ha força vestigis de la presència del Cant de la Sibil·la arreu del sud d’Europa, França, Itàlia i a la península, aquí, tant en els territoris de la corona catalanoaragonesa, com al regne de Toledo.

Actualment està reconegut per la UNESCO com a bé immaterial de la humanitat, i és símbol indiscutible de la tradició sacra a Mallorca i l’Alguer, on va arrelar molt sòlidament d’ençà de la Conquesta de les illes, capitanejada per Jaume I.

Com apunt, dir que els estudiosos i erudits, la reconeixen com una rara avis de la cançó tradicional, ja que hi conflueixen el cant de tradició popular, amb un vocabulari pla i vulgar, i un acompanyament de música culta.

Amb el Cant de la Sibil·la, tenim davant una composició que, lluny d’evocar passatges relacionats amb l’esperança, la bondat, l’amor o la bonaventura, com podríem pensar, ens presenta un relat apocalíptic, farcit de locucions aclaparadores, i un discurs més aviat fosc, que explica com acabaran els nostres dies, i on ens deixa clar que la única salvació passa per l’arribada del messies.

Això però, era força habitual en aquella època, doncs la transmissió de certa informació, des dels estaments més alts de la societat al populatxo, solia fer-se sota amenaces amb aires profètics i el sempre recurrent temor a la fi del món, un recurs que l’església es va apropiar des de dates molt primerenques, i va aprofitat per fer-se’n gestora de la solució als problemes que ella mateixa presentava.

Llavors està clar que aquest poema no és una celebració, sinó més aviat una advertència.

En qualsevol cas, a mi personalment, em resulta pertorbador que en una data tan i tan assenyalada, hagi arrelat en la tradició, un ritual tant obscur com el Cant de la Sibil·la.

Se sap que a l’edat mitjana era habitual acompanyar les litúrgies amb representacions dramàtiques com a suport didàctic, perquè la gent del poble tingués millor comprensió del que es volia comunicar. Això passava perquè molts dels texts que es llegien a les esglésies estaven en llatí, i la gent del carrer no els entenia. Aquest tipus de representacions, es feien sobretot per Nadal i Pasqua, i tenien força presència arreu. Així que és aquest el vincle que finalment ens uneix el Nadal amb aquesta profecia.

Aquesta herència de teatralitzar la litúrgia, avui en dia la podem trobar per exemple, en Els Pastorets, i fora de les nostres contrades, en el Misteri d’Elx, una representació de la mort, assumpció i coronació de la Mare de Déu, de la que es té constància des de finals de l’edat mitjana.

El cant de la Sibil·la, era interpretat per preveres, que amb el temps foren substituïts per nens i en alguns casos, dones. En la representació tradicional, el nen apareix acompanyat per més nens o dones, que duen ciris a les mans. El nen cantor esgrimia una espasa que brandava alçada davant el seu rostre durant tot el ritual. Les vestimentes eren senzilles, en forma de túnica, de vegades amb algun brodat. El cant el realitzava aquest nen cantor, que era acompanyat entre estrofa i estrofa per la música de l’orgue, encara que en l’actualitat, s’ha adaptat a diverses versions polifòniques on la música també pot estar present durant tot el recital.

A mode informatiu i en un altre ordre de coses, entre els texts catalans de la vessant occitana, hi ha un còdex que es va descobrir el 1908 al monestir de la Concepció. Aquest són uns documents datats del segle XIV, que a la vegada, procedien del convent de Santa Magdalena. Aquest còdex contenia entre altres, les transcripcions i notacions de l’acompanyament musical, amb el que s’ha pogut tenir una idea molt aproximada de la música que s’interpretava durant el Cant de la Sibil·la, probablement ja en el segle XIII.

Arribats aquí, tornem però, a la curta definició de nadala; les nadales són cançons de caire i orígen populars que parlen de Nadal, que es canten en el període previ o durant les festes nadalenques, i que solen fer referències al naixement del nen Jesús.

Crec doncs, que no podem passar per alt que, malgrat tot, el Cant de la Sibil·la ens ofereix suficients components per ser una nadala, ja que és una cançó molt estretament vinculada a Nadal, parla sobre l’arribada de Jesús, i ha estat revelada per transmissió oral, formant part sens dubte de la tradició nadalenca.

Així que, per què no? Pot ser el Iudicii Signum la nadala més antiga del món?

Jutgeu vosaltres mateixos.

A tothom, bon Nadal i bones festes, i als qui vulgueu, ens trobem novament ja entrat el nou any, gràcies per ser-hi!

NEW WAVE, no new age… Part 2

Bé, aquí us porto la segona entrega del post. Si recordeu com acabava la primera, ens havíem quedat a les portes d’un gran succés.

Per recuperar una mica el fil: estàvem en el punt que el punk havia assolit tals quotes d’èxit que havia perdut part del seu propi significat. Ens trobem a cavall entre finals dels anys setanta i la imminent arribada d’una nova dècada, incerta però esperançadora.

El punk es desdibuixa i musicalment deixa una ferida oberta que cal omplir amb noves corrents per no caure en antics estereotips. Arribats en aquest punt, podríem dir que el punk es trenca en tres branques principals, que anomenarem post-punk, hardcore i new wave (sí… aquí el teniu… )

El post-punk sorgeix com una evolució natural del punk, que en plena autodestrucció, donava pas al desassossec; acabada la festa, arriba la ressaca.

L’eufòria i l’èxtasi donaren pas novament a la crua realitat, la desídia i la decepció. Els ritmes es desacceleraren, les guitarres passaren a tenir un altre rol i el baix prengué molt més protagonisme, marcant ritmes més lànguids i pesats. Les composicions fresques es tornaren denses atmosferes, i els crits cediren a les veus de baríton que enaltien odes a la decadència. Un estil introvertit, més complex i amb tendències experimentals. L’ús de sintetitzadors i un discurs subjacent i melòdic d’unes guitarres amb so de vidre, van marcar una nova tendència, una nova onada que va donar noms com Bauhaus, Siouxsie and the Banshees, Echo and the Bunnymen, Killing Joke o Buzzcocks.

Però fou a la ciutat de Manchester, on va sorgir el que jo penso que va ser la banda que va marcar un abans i un després, no només d’una nova generació, sinó un abans i un després de la música en si mateixa. Una banda que va tenyir la música de foscor, i aquesta banda és Joy Division. Ells van ser els pares del moviment post-punk, i una nova manera de fer i entendre la música. El seu cantant, lletrista, compositor i cofundador, Ian Curtis, serà recordat per tots, com l’artífex d’un nou gènere, un corrent que ha marcat el camí a molts.

L’Ian era un jove amb una ànima turmentada. Patia d’epilèpsia i ja des de la seva joventut presentava certes tendències antisocials i depressives, nodrides pel context d’un Manchester industrialitzat i deshumanitzat.

Amant de la literatura de Kafka i William Burroughs, sommiava en ser escriptor mentre escoltava Jim Morrison, David Bowie o Iggy Pop.

Es va casar molt jove, amb només dinou anys, amb la Deborah. La seva relació no va ser gens bona, ja que planejava constantment l’amenaça del divorci. Tot plegat el portava a aïllar-se i tancar-se llargues estones escrivint, component, i alimentant el seu cru imaginari de patiment emocional, decadència, dolor i violència, a través d’unes lletres profundes, pseudopoètiques, fosques.

Joy Division eren l’essència de tot allò que esdevenia, el big-bang, sense cap dubte, de molts moviments pop i rock, donant pas també, al que més tard es va descriure com Goth Rock i New Romantics. Joy Division, amb la seva efímera carrera, ja que Ian Curtis es va suïcidar el 18 de maig de 1980 quan només tenia vint-i-tres anys, han estat el bressol de moltes bandes, algunes temporalment no tan llunyanes, com Interpol.

D’altra banda, encara va haver-hi qui en volia més, i els fidels seguidors del punk, aquells més inconformistes i radicals, no van abandonar la nau, però evidentment no podien continuar immersos en la mateixa onada. Aquest reducte, els qui estimaven el punk, la seva imatge i filosofia, van anar forjant un estil musical que, sobre les bases del punk, van endurir el seu discurs, amb un so molt més agressiu i contundent, fixant altres trets culturals, artístics i socials, mantenint viva l’herència dels seus anys d’influència: donem la benvinguda al hardcore.

El hardcore és directament, la transformació del punk, sense deixar el punk. Un estil de ritme més accelerat, potent, de so més brut i dur, com indica la mateixa paraula. Va arrelar el que més tard es va anomenar «old school», que serien les bandes precursores de les primeres passes del hardcore, sobretot als Estats Units, on ja existien bandes força contundents, i on d’una forma natural es va anar barrejant amb altres estils «germans» com el heavy, donant pas a la «new school» del hardcore. Amb tot plegat, es va anar configurant tot un ventall de variacions musicals, corrents que esgrimien majoritàriament, discursos antisistema, anticapitalistes i antireligiosos, que es confrontaven amb l’establishment… imagino que us resulta familiar. Per molts el hardcore és el punk 2.0

Bé, i sense estendre’m gaire més en les seves característiques, us deixo els noms d’algunes formacions que durant anys ens han fet ballar a ritme de pogo; DOA, Misfits, Bad Religion, Black Flag o Agnostic Front.

I finalment, trobarem el New Wave. Ara direu que Déu n’hi do quina volta, i us diré que sí, però trobo que era entre interessant i necessari posar-ho tot en context, i esbudellar amb atenció l’origen d’aquest estil.

El new wave és la nova onada. Musicalment, va sorgir com a proposta de recuperació del rock i el pop dels anys seixanta, un mica com tornar a la falda de la mare, on tan bé s’hi estava. Res a veure amb les tendències precedents, oi? Doncs sí, recollint la idea que el punk ho havia trencat tot, i un cop havia «desaparegut» ens deixava orfes, va haver-hi qui sentia la necessitat del retorn. Aquest sentiment es va transformar en una actualització d’aquells estils, amb la diferència que, a les portes d’una nova dècada i apropant-se la fi del mil.lenni, s’havia de mirar el món d’una forma diferent, més global, inclusiva, universal.

I en certa manera així va anar succeint, puix els anys vuitanta, ja des dels seus inicis, van portar la bonança econòmica i l’estabilitat que la dècada anterior no havia trobat.

Aquesta relaxació capitanejada per la favorable evolució industrial, les noves fites tecnològiques i l’assoliment de grans i ambiciosos projectes a escala mundial, es materialitzava en una nova onada cultural, artística i social. Manifestacions plenes de missatges d’esperança, evocant infinites quimeres, apologia de la llum i els colors; apropant als mortals un món on tot era millor.

L’electrònica aplicada a la música, a part de fer volar la creativitat de les bandes, va ajudar a sentenciar els estils ja decadents i obsolets que agonitzaven en les emissores de ràdio.

Ser new wave era tenir un estatus diferent. Era ser modern, estar al dia, anar a la moda, formar part del món actual (el de llavors), era ampliar la mirada i obrir-se a noves cultures, fer del mestissatge un símbol de prosperitat i humanitat. Va ser en aquesta època que es van donar molts dels grans concerts de la història de la música, si més no, fins a les dates, incloent-hi l’inigualable USA for AFRICA de 1985.

Musicalment, el new wave era la frescor feta música, gràcies en part a la irrupció generalitzada dels teclats electrònics i sintetitzadors, que van esquitxar gairebé tots els estils. Les possibilitats sonores es van multiplicar i no hi havia límits a l’hora de jugar amb els sons. Això va conferir-li a la música new wave un ventall inabastable de colors, dibuixant amb les seves melodies i les lletres una música universal, plena de recursos extrets del ska, el reagge o el funk.

Quins són els noms que van anar sortint? Talking heads, The Cars, B52’s, REM, Blondie, The Go Go’s, Culture Club, Devo, Ultavox, Spandau Ballet, Eurithmics, Visage, Gary Numan, Human League, Frankie goes to Hollywood, entre altres. Qui més qui menys ja haurà entès l’abast del new wave.

Bé, doncs per acabar, volia dir-vos que l’estètica va tornar a ser important, i moltes d’aquestes noves bandes feien de la seva imatge una part del mateix espectacle, no tant com la imatge del grup, sinó més aviat per crear un concepte visual, quelcom fàcilment identificable. Recordeu en Boy George, o els colors dels integrants de B-52’s?

Doncs això, que aquesta nova onada, va ser la confirmació de la globalització, de la universalització de la música. Gràcies a la new wave, hem escoltat lletres que eren autèntics himnes, viatjant amb una música farcida de nous recursos, sons i melodies. Una barreja molts cops elegant i intel·ligent d’estils que alimentava un clam, l’amor.

Així doncs, no feu com jo, no confongueu el NEW WAVE, amb el NEW AGE… per cert, potser un dia d’aquests us en parlo…

NEW WAVE, no new age… Part 1

En la meva adolescència escoltava sovint música New Age, un gènere prou conegut i estès en la memòria col·lectiva gràcies a compositors com Jean-Michel Jarre, Vangelis, Kitaro o Mike Oldfield, que sobretot en els anys vuitanta van assolir rellevància en esmunyir-se entre les llistes comercials de l’època a molts països europeus, Estats Units o el Japó.

Si bé el gènere New Age no és el tema sobre el qual us parlaré avui, us l’he colat a mode introductori, doncs m’ha fet recordar una anècdota de joventut, una anècdota que m’ha dut precisament a titular l’article així.

Amb vint-i-pocs anys, en una nit a Barcelona, parlant de música amb una amiga de llavors, la Vanessa, vaig escoltar-li dir el terme New Wave. Ràpidament, em vaig encarregar de corregir-la fent el corresponent apunt: «new age». La Vanessa va insistir en el fet que la seva expressió era correcta, cosa que em va dur a repetir la meva correcció, fins que finalment, amb un to ja més ras i contundent, la Vanessa em va etzibar un «NEW WAVE, NO NEW AGE!!».

Perquè efectivament, en la meva ignorància, resultava que existia un estil anomenat així… en fí… coses que passen.

Bé, però anem a pams, així que comencem i posem-nos en context: som als anys setanta.

Aquesta dècada ens portarà dues greus crisis econòmico-energètiques, diverses guerres i conflictes internacionals, així com un reguitzell de cops d’estat i canvis importants en els governs de molts països.

Entre altres esdeveniments remarcables, tenim el cas «watergate», assistirem també a la fi de la guerra del Vietnam, l’enduriment de l’apartheid a Sud-àfrica amb l’assassinat de Steven Biko, les crisis del petroli a l’Orient Mitjà, els anys 1973 i 1979, l’assassinat de Salvador Allende perpetrat durant el cop d’estat a Xile amb Pinochet al capdavant, la revolució dels clavells a Portugal, l’enderrocament de Ioannidis a Grècia, i la mort de Franco a Espanya, l’últim gran dictador del sud d’Europa.

Ens trobem davant un panorama de governs caòtics o febles, exercint polítiques asfixiants, justificades per la crisi econòmica, però de qüestionable moral.

Hi havia grans moviments populars, empesos pel descontentament per les polítiques socials, la crisi econòmica mundial i la inestabilitat, aquesta, generalitzada a moltes parts d’un món susceptible de caure encara en majors problemes. Aquest context social i polític és el full en blanc sobre el que una nova generació dibuixarà el seu ideari.

En les arts, el modernisme va deixar pas al postmodernisme, i corrents com l’art conceptual o el realisme, prenien molta força, influenciats pel moment i la realitat, fent palesa la fugida d’un sentir instal·lat en l’idealisme cap a una mirada més pragmàtica. L’art s’allunyava de l’estètica per centrar-se en el disseny, simple i minimalista, en certa manera caient en la desnaturalització de l’obra. Com ja hem vist en altres articles, l’art cau en el context del com i no del que, posant la mirada en el moment, el quan, i ja no tant en el resultat.

A més, cal afegir que tecnològicament ens trobàvem a les portes de la globalització, de la mà d’imperis econòmics emergents com Microsoft o Apple. Eren els anys de la irrupció dels primers computadors domèstics, de la televisió en color i els primers videojocs, l’expansió de les comunicacions via satèl·lit, i una nova etapa en la robotització de la indústria, cosa que sota el meu parer, devia resultar descoratjador en els estrats socials menys afavorits, amb una notable sensació de deshumanització del món.

Mentrestant, la joventut britànica, sotmesa a l’imperi econòmic d’una potència mundial en hores baixes, es comença a rebel·lar contra la indústria comercial, fent arrelar la idea que el capital era l’enemic, i que el consumisme era una eina més del poder per sotmetre el poble, que els governs i l’església eren uns actors interessats que coartaven les llibertats de les persones, exercint pressió social i econòmica per manipular-les i dirigir els seus destins.

Com ha anat succeint al llarg de la història, l’art ha estat el reflex de la societat, i és a través de l’art que podem llegir particularment moltes de les sensibilitats subjacents, que d’altra manera restarien ocultes.

En aquest període convuls, inestable, mancat molts cops d’ètica i saturat de clixés, part de la joventut anglesa comença a emmirallar-se en el rock de garatge, un estil agressiu, transgressor, i a vegades violent. Relacionat sovint amb la festa, el sexe, les drogues i l’alcohol, fórmula recurrent i habitual per surfejar les èpoques de crisis i les vaques flaques.

Aquesta música estrident, contundent, transgressora, ràpida i demolidora, fou l’altaveu amb el qual certs estrats de la societat van manifestar el seu rebuig a l’establishment. Els precursors d’aquesta nova onada adopten una estètica radical amb robes i actituds provocadores i inconformistes. Ostenten un tarannà no necessàriament violent, però que molts cops fan evidentment destructiu, i fan crítica de tot allò que els esclavitza fent ús d’unes lletres amb alta càrrega social.

Sí, com molts haureu imaginat, ha nascut el punk. I segur que molts també us estareu preguntant, què té a veure el punk amb el new wave? Doncs paciència, que ho sabreu de seguida…

El punk sorgeix principalment com un fenomen estètic i musical, un subgènere sense cap rerefons més enllà de la rebel·lia contra el convencionalisme i els estereotips. De fet, no existia una subcultura que alimentés cap pensament en concret, però la força modèlica de l’alliberament que representava aquest nou moviment, va propulsar ràpidament una moda generacional, que amb el temps va anar creant tot un corrent cultural, basat en el criticisme al poder i aquells que el gestionaven, basat a molestar i incomodar el bon gust, la moral i la tradició. Més endavant s’arriba a un aprofundiment filosòfic fins a esdevenir un pilar de la contracultura, abastant múltiples disciplines: de pensament polític, reprenent velles idees com el comunisme o l’anarquisme, estètiques, musicals i artístiques, amb uns codis de comportament, llenguatge, vestimenta i temàtiques recurrents distintives; en definitiva un contracorrent cultural com a resposta a les propostes més oficialistes.

La ideologia punk es va encarregar de fer vehicular una gran diversitat de discursos alineats amb un pensament destructiu vers el govern, el sistema econòmic o l’església, la indústria comercial i els estereotips. Buscant l’alliberament estètic es trenca amb els corrents estilístics de la moda, adoptant el lema «fes-ho tu mateix». El punk rebutja doncs els dogmes i es qüestiona l’establert, fugint dels estaments sota un ideari transgressor, lluny de les masses, els grans mitjans de comunicació i els lobbies.

En qüestions musicals, el gènere s’estén ràpidament pels suburbis del Regne Unit, els Estats Units i Austràlia. El moviment va definir a més els seus propis lemes i paràmetres de comportament en polítiques d’edició musical, que responien al seu caràcter de subcultura underground, sense mitjans organitzats, practicant la idea de la cultura a escala humana i comunitària.

La cultura punk també arribà a altres disciplines artístiques, exemplificant un canvi de model social, obrint ponts a una estètica més lliure i sense pretensions. Fanzins, pintures murals, grafitis, art abstracte, art urbà, i en definitiva un compendi d’expressions artístiques, molts cops vinculades a la protesta o la denúncia social.

No obstant això, amb el pas dels anys, el punk assoleix tal èxit comercial que perd part del seu propi significat, i és precisament aquí on jo volia arribar. Aquest és el punt d’inflexió més important sota el meu parer, que va viure la música moderna, però el perquè us l’explicaré la setmana vinent. Fins llavors, God Save the Queen!!